រូបថត៖ សារមន្ទីរ Naturhistorisches

រូបចម្លាក់ប្រវត្តិសាស្ត្រសិល្បៈ រូបចម្លាក់ដ៏តូចនេះមានកម្ពស់ជាង 4 អ៊ីង ត្រូវបានរកឃើញក្នុងប្រទេសអូទ្រីសក្នុងឆ្នាំ 1908។ គ្មាននរណាម្នាក់ដឹងថាវាមានមុខងារអ្វីនោះទេ ប៉ុន្តែការទស្សន៍ទាយមានចាប់ពីទេពធីតានៃការមានកូន រហូតដល់ជំនួយដល់ការសម្រេចកាម។អ្នក​ប្រាជ្ញ​ខ្លះ​ផ្ដល់​យោបល់​ថា វា​អាច​ជា​រូប​ខ្លួន​ឯង​ដែល​ធ្វើ​ឡើង​ដោយ​មនុស្ស​ស្រី។វាជាវត្ថុដ៏ល្បីល្បាញបំផុតក្នុងចំណោមវត្ថុជាច្រើនដែលមានតាំងពីសម័យថ្មចាស់។

រូបថត៖ CC/Wiki Media/Philip Pikart

រូបបញ្ឈរនេះគឺជានិមិត្តរូបនៃភាពស្រស់ស្អាតរបស់ស្ត្រីចាប់តាំងពីវាត្រូវបានគេរកឃើញជាលើកដំបូងនៅក្នុងឆ្នាំ 1912 នៅក្នុងប្រាសាទ Amarna ដែលជារាជធានីដែលត្រូវបានសាងសង់ឡើងដោយស្តេចផារ៉ោនដ៏ចម្រូងចម្រាសបំផុតនៃប្រវត្តិសាស្រ្តអេហ្ស៊ីបបុរាណ: Akhenaten ។ជីវិតរបស់ម្ចាស់ក្សត្រីរបស់គាត់គឺ Nefertiti គឺជារឿងអាថ៌កំបាំង៖ វាត្រូវបានគេគិតថានាងបានគ្រប់គ្រងជាស្តេចផារ៉ោនមួយរយៈបន្ទាប់ពីការសោយទីវង្គត់របស់ Akhenaten ឬទំនងជាសហរាជវង្សរបស់ Boy King Tutankhamun។អ្នកជំនាញអេហ្ស៊ីបខ្លះជឿថានាងពិតជាម្តាយរបស់ Tut ។ចម្លាក់ថ្មកំបោរដែលស្រោបដោយ stucco នេះត្រូវបានគេគិតថាជាស្នាដៃរបស់ Thutmose ដែលជាជាងចម្លាក់តុលាការរបស់ Akhenaten ។

រូបថត៖ CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

បានរកឃើញនៅឆ្នាំ 1974 កងទ័ព Terracotta គឺជាឃ្លាំងដ៏ធំសម្បើមនៃរូបសំណាកដីឥដ្ឋដែលត្រូវបានកប់នៅក្នុងរណ្តៅដ៏ធំចំនួនបីនៅជិតផ្នូររបស់ Shi Huang ដែលជាអធិរាជទីមួយនៃប្រទេសចិនដែលបានសោយទិវង្គតនៅឆ្នាំ 210 មុនគ។ដើម្បីការពារគាត់ក្នុងជីវិតបន្ទាប់ កងទ័ពត្រូវបានគេជឿថាមានទាហានច្រើនជាង 8,000 នាក់ រួមជាមួយសេះ 670 និងរទេះ 130 ។នីមួយៗមានទំហំជីវិត ទោះបីជាកម្ពស់ពិតប្រាកដប្រែប្រួលទៅតាមឋានៈយោធាក៏ដោយ។

រូបថត៖ CC/Wiki Media/LivioAndronico

ប្រហែលជារូបចម្លាក់ដ៏ល្បីល្បាញបំផុតនៃវត្ថុបុរាណរ៉ូម៉ាំង,Laocoon និងកូនប្រុសរបស់គាត់។ដើមឡើយត្រូវបានគេរកឃើញនៅទីក្រុងរ៉ូមក្នុងឆ្នាំ 1506 ហើយបានផ្លាស់ទៅបុរីវ៉ាទីកង់ជាកន្លែងដែលវារស់នៅរហូតមកដល់សព្វថ្ងៃនេះ។វាត្រូវបានផ្អែកលើទេវកថារបស់បូជាចារ្យ Trojan ដែលត្រូវបានសម្លាប់រួមជាមួយកូនប្រុសរបស់គាត់ដោយសត្វពស់សមុទ្រដែលត្រូវបានបញ្ជូនដោយព្រះសមុទ្រ Poseidon ជាការសងសឹកចំពោះការប៉ុនប៉ងរបស់ Laocoön ដើម្បីបង្ហាញការប្រឌិតរបស់ Trojan Horse ។ដើមឡើយត្រូវបានដំឡើងនៅក្នុងព្រះរាជវាំងរបស់អធិរាជទីតុស ការដាក់ជាក្រុមរូបភាពដែលមានទំហំប៉ុននេះ សន្មតថាជាជាងចម្លាក់ក្រិកចំនួនបីនាក់មកពីកោះរ៉ូដស៍ គឺពិតជាមិនអាចប្រៀបផ្ទឹមបានក្នុងនាមជាការសិក្សាអំពីទុក្ខវេទនារបស់មនុស្ស។

រូបថត៖ ការគួរសម CC/Wikimedia/Livioandronico2013

ស្នាដៃដ៏ល្បីល្បាញបំផុតមួយនៅក្នុងប្រវត្តិសាស្រ្តសិល្បៈទាំងអស់ លោក David របស់ Michelangelo មានដើមកំណើតនៅក្នុងគម្រោងធំជាងនេះ ដើម្បីតុបតែងលម្អនៃវិហារដ៏អស្ចារ្យរបស់ Florence គឺ Duomo ជាមួយនឹងក្រុមនៃតួលេខដែលយកចេញពីគម្ពីរសញ្ញាចាស់។នេះ។ដាវីឌគឺមួយ ហើយត្រូវបានចាប់ផ្តើមនៅឆ្នាំ 1464 ដោយ Agostino di Duccio។ក្នុងរយៈពេលពីរឆ្នាំបន្ទាប់ Agostino បានគ្រប់គ្រងផ្នែកមួយនៃប្លុកថ្មម៉ាបដ៏ធំដែលកាត់ចេញពីកន្លែងយកថ្មដ៏ល្បីល្បាញនៅ Carrara មុនពេលឈប់នៅឆ្នាំ 1466។ (គ្មាននរណាម្នាក់ដឹងមូលហេតុនោះទេ។) បានធ្វើការលើវាយ៉ាងខ្លី។ចម្លាក់ថ្មម៉ាបនេះនៅតែមិនត្រូវបានប៉ះពាល់សម្រាប់រយៈពេល 25 ឆ្នាំបន្ទាប់ រហូតដល់ Michelangelo បន្តឆ្លាក់វាឡើងវិញនៅឆ្នាំ 1501។ គាត់មានអាយុ 26 ឆ្នាំនៅពេលនោះ។នៅពេលបញ្ចប់ ដាវីឌមានទម្ងន់ប្រាំមួយតោន ដែលមានន័យថាវាមិនអាចលើកទៅដំបូលព្រះវិហារបានទេ។ផ្ទុយទៅវិញ វាត្រូវបានដាក់តាំងបង្ហាញនៅខាងក្រៅច្រកចូល Palazzo Vecchio សាលាក្រុង Florence ។តួរលេខដែលជាការចម្រាញ់ដ៏បរិសុទ្ធបំផុតមួយនៃរចនាប័ទ្មក្រុមហ៊ុន Renaissance ខ្ពស់ត្រូវបានទទួលយកភ្លាមៗដោយសាធារណៈជន Florentine ជានិមិត្តរូបនៃការតស៊ូរបស់រដ្ឋទីក្រុងប្រឆាំងនឹងអំណាចដែលប្រឆាំងនឹងវា។នៅឆ្នាំ 1873 អេដាវីឌត្រូវបានផ្លាស់ទីទៅវិចិត្រសាល Accademia ហើយការចម្លងមួយត្រូវបានដំឡើងនៅទីតាំងដើមរបស់វា។

រូបថត៖ CC/Wiki Media/Alvesgaspar

ដោយទទួលស្គាល់ថាជាអ្នកបង្កើតរចនាប័ទ្មភូមិដ៏ចម្លែកខ្ពស់រ៉ូម៉ាំង លោក Gian Lorenzo Bernini បានបង្កើតស្នាដៃនេះសម្រាប់វិហារមួយនៅក្នុងព្រះវិហារ Santa Maria della Vittoria ។Baroque ត្រូវបានភ្ជាប់ដោយ inextricably ទៅនឹង Counter-Reformation តាមរយៈការដែលវិហារកាតូលិកបានព្យាយាមដើម្បីទប់ស្កាត់ជំនោរនៃ Protestant ដែលកំពុងកើនឡើងនៅទូទាំងទ្វីបអឺរ៉ុបសតវត្សទី 17 ។ស្នាដៃសិល្បៈដូចជា Bernini's គឺជាផ្នែកមួយនៃកម្មវិធីដើម្បីបញ្ជាក់ឡើងវិញនូវ Papal dogma ដែលត្រូវបានបម្រើយ៉ាងល្អនៅទីនេះដោយទេពកោសល្យរបស់ Bernini សម្រាប់ការបញ្ចូលឈុតឆាកសាសនាជាមួយនឹងការនិទានរឿងដ៏អស្ចារ្យ។សោកស្ដាយជាករណីនៅក្នុងចំណុចមួយ៖ ប្រធានបទរបស់វា — Saint Teresa នៃ Ávila ដែលជាដូនជី Carmelite ជនជាតិអេស្ប៉ាញ និងជាអ្នកអាថ៌កំបាំងដែលបានសរសេរអំពីការជួបរបស់នាងជាមួយទេវតា — ត្រូវបានបង្ហាញថាដូចជាទេវតាហៀបនឹងទម្លាក់ព្រួញចូលទៅក្នុងបេះដូងរបស់នាង។សោកស្ដាយភាពស្រើបស្រាលរបស់ភិក្ខុនី គឺមិនអាចបំភ្លេចបាន ជាក់ស្តែងបំផុតនៅក្នុងការបញ្ចេញមតិដល់ចំណុចកំពូលរបស់ដូនជី និងក្រណាត់ដែលរុំដោយរូបទាំងពីរ។ស្ថាបត្យករ​ម្នាក់​ក្នុង​នាម​ជា​វិចិត្រករ Bernini ក៏​បាន​រចនា​កន្លែង​នៃ​វិហារ​ដោយ​ថ្មម៉ាប ចម្លាក់ និង​ថ្នាំលាប។

រូបថត៖ ការអនុញ្ញាតពីសារមន្ទីរ Metropolitan Museum of Art/Fletcher Fund

វិចិត្រករជនជាតិអ៊ីតាលីលោក Antonio Canova (1757-1822) ត្រូវបានចាត់ទុកថាជាជាងចម្លាក់ដ៏អស្ចារ្យបំផុតនៃសតវត្សទី 18 ។ស្នាដៃរបស់គាត់បានបង្ហាញពីរចនាបថ Neo-Classical ដូចដែលអ្នកបានឃើញនៅក្នុងការសំដែងរបស់គាត់នៅក្នុងថ្មម៉ាបរបស់វីរបុរសទេវកថាក្រិច Perseus ។Canova ពិតជាបានធ្វើកំណែពីរនៃបំណែក: មួយរស់នៅក្នុងបុរីវ៉ាទីកង់ក្នុងទីក្រុងរ៉ូមខណៈដែលមួយទៀតឈរនៅក្នុងតុលាការចម្លាក់អឺរ៉ុបរបស់ Metropolitan Museum of Art ។

រូបថត៖ សារមន្ទីរសិល្បៈ Metropolitan

ខណៈពេលដែលម្ចាស់ Impressionist លោក Edgar Degas ត្រូវបានគេស្គាល់ថាជាវិចិត្រករម្នាក់ គាត់ក៏បានធ្វើការផ្នែកចម្លាក់ផងដែរ ដោយបង្កើតនូវអ្វីដែលជាការខិតខំប្រឹងប្រែងរ៉ាឌីកាល់បំផុតនៃ oeuvre របស់គាត់។Degas រចនាម៉ូដអ្នករាំក្មេងអាយុដប់បួនឆ្នាំចេញពីក្រមួន (ដែលច្បាប់ចម្លងសំរិទ្ធជាបន្តបន្ទាប់ត្រូវបានបោះចោលបន្ទាប់ពីការស្លាប់របស់គាត់នៅឆ្នាំ 1917) ប៉ុន្តែការពិតដែលថា Degas ស្លៀកពាក់ប្រធានបទរបស់គាត់នៅក្នុងសំលៀកបំពាក់រាំរបាំបាឡេពិតប្រាកដ (ពេញលេញជាមួយនឹងអាវទ្រនាប់ tutu និងស្បែកជើង) និងសក់ពិតនៃសក់ពិតប្រាកដបានបង្កឱ្យមានអារម្មណ៍នៅពេលដែលអ្នករាំបានបង្ហាញខ្លួនជាលើកដំបូងនៅឯពិព័រណ៍ Impressionist ទី 6 នៃឆ្នាំ 1881 នៅទីក្រុងប៉ារីស។Degas បានជ្រើសរើសដើម្បីគ្របដណ្តប់ការតុបតែងភាគច្រើនរបស់គាត់នៅក្នុងក្រមួនដើម្បីផ្គូផ្គងលក្ខណៈពិសេសដែលនៅសល់របស់ក្មេងស្រី ប៉ុន្តែគាត់បានរក្សា tutu ក៏ដូចជាខ្សែបូចងសក់របស់នាងដូចដែលពួកគេធ្លាប់មាន ដែលធ្វើឱ្យតួលេខនេះក្លាយជាឧទាហរណ៍ដំបូងនៃវត្ថុដែលបានរកឃើញ។ សិល្បៈ។អ្នករាំគឺជារូបចម្លាក់តែមួយគត់ដែល Degas បានបង្ហាញក្នុងជីវិតរបស់គាត់;បន្ទាប់ពីការសោយទិវង្គតរបស់គាត់ គំរូចំនួន 156 ទៀតត្រូវបានគេរកឃើញថាកំពុងអស់កម្លាំងនៅក្នុងស្ទូឌីយោរបស់គាត់។

រូបថត៖ សារមន្ទីរសិល្បៈ Philadelphia

ខណៈពេលដែលមនុស្សភាគច្រើនបានភ្ជាប់ជាងចម្លាក់ជនជាតិបារាំងដ៏អស្ចារ្យ Auguste Rodin ជាមួយអ្នកគិតក្រុមនេះរំលឹកដល់ឧប្បត្តិហេតុមួយក្នុងកំឡុងសង្គ្រាមរយឆ្នាំ (១៣៣៧-១៤៥៣) រវាងចក្រភពអង់គ្លេស និងបារាំងគឺមានសារៈសំខាន់ជាងចំពោះប្រវត្តិសាស្ត្រនៃចម្លាក់។ត្រូវបានចាត់តាំងសម្រាប់ឧទ្យានមួយនៅក្នុងទីក្រុង Calais (ជាកន្លែងដែលការឡោមព័ទ្ធរយៈពេលមួយឆ្នាំដោយជនជាតិអង់គ្លេសក្នុងឆ្នាំ 1346 ត្រូវបានលើកនៅពេលដែលពួកព្រឹទ្ធាចារ្យនៃទីក្រុងចំនួនប្រាំមួយបានស្នើសុំឱ្យគេប្រហារជីវិតជាថ្នូរនឹងការសន្សំចំនួនប្រជាជន) ។ប៊ឺហ្គឺរគេចចេញពីទម្រង់ធម្មតានៃបូជនីយដ្ឋាននៅពេលនោះ៖ ជំនួសឱ្យតួរលេខដែលនៅដាច់ពីគេ ឬដាក់ចូលទៅក្នុងពីរ៉ាមីតនៅលើជើងទម្រខ្ពស់ Rodin បានប្រមូលផ្តុំប្រធានបទទំហំជីវិតរបស់គាត់ដោយផ្ទាល់នៅលើដី កម្រិតជាមួយអ្នកមើល។ការផ្លាស់ប្តូររ៉ាឌីកាល់ឆ្ពោះទៅរកភាពប្រាកដនិយមនេះបានបែកបាក់ជាមួយនឹងការព្យាបាលបែបវីរភាពជាធម្មតាបានអនុវត្តការងារក្រៅបែបនេះ។ជាមួយប៊ឺហ្គឺរ, Rodin បានបោះជំហានដំបូងមួយឆ្ពោះទៅរកចម្លាក់ទំនើប។

រូបថត៖ CC/Flickr/Wally Gobetz

នៅឆ្នាំ 1912 Picasso បានបង្កើតក្រដាសកាតុងធ្វើកេសមួយដុំ ដែលនឹងមានឥទ្ធិពលខ្លាំងលើសិល្បៈសតវត្សទី 20 ។ផងដែរនៅក្នុងបណ្តុំរបស់ MoMA វាបានពណ៌នាអំពីហ្គីតា ដែលជាប្រធានបទដែល Picasso តែងតែស្វែងរកក្នុងការគូររូប និងរូបចម្លាក់ ហើយក្នុងន័យជាច្រើនហ្គីតាផ្ទេរបច្ចេកទេសកាត់ និងបិទភ្ជាប់របស់ Collage ពីទំហំពីរទៅបី។វាបានធ្វើដូចគ្នាសម្រាប់ Cubism ផងដែរដោយការផ្គុំរាងសំប៉ែតដើម្បីបង្កើតទម្រង់ពហុមុខដែលមានទាំងជម្រៅ និងកម្រិតសំឡេង។ការច្នៃប្រឌិតរបស់ Picasso គឺដើម្បីគេចចេញពីការឆ្លាក់ធម្មតា និងការធ្វើគំរូនៃរូបចម្លាក់ចេញពីម៉ាស់ដ៏រឹងមាំ។ផ្ទុយទៅវិញហ្គីតាត្រូវបានភ្ជាប់ជាមួយគ្នាដូចជារចនាសម្ព័ន្ធ។គំនិតនេះនឹងផ្លាស់ប្តូរពី Constructivism របស់រុស្សីចុះទៅ Minimalism និងលើសពីនេះ។ពីរឆ្នាំបន្ទាប់ពីបង្កើតហ្គីតានៅក្នុងក្រដាសកាតុងធ្វើកេស Picasso បានបង្កើតកំណែនេះនៅក្នុងសំណប៉ាហាំង

រូបថត៖ សារមន្ទីរសិល្បៈ Metropolitan

ពីការចាប់ផ្តើមរ៉ាឌីកាល់របស់វា រហូតដល់ការចាប់បដិសន្ធិរបស់ពួកហ្វាស៊ីសចុងក្រោយ លទ្ធិ Futurism របស់អ៊ីតាលីបានធ្វើឱ្យពិភពលោកភ្ញាក់ផ្អើល ប៉ុន្តែគ្មានការងារណាដែលបង្ហាញពីភាពវង្វេងស្មារតីនៃចលនាជាងរូបចម្លាក់នេះដោយពន្លឺឈានមុខគេមួយគឺ Umberto Boccioni ។ចាប់ផ្តើមជាវិចិត្រករម្នាក់ លោក Boccioni បានងាកទៅធ្វើការក្នុងទម្រង់បី បន្ទាប់ពីការធ្វើដំណើរទៅទីក្រុងប៉ារីសក្នុងឆ្នាំ 1913 ដែលគាត់បានទស្សនាស្ទូឌីយ៉ូរបស់ជាងចម្លាក់ avant-garde ជាច្រើនសម័យនោះ ដូចជា Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon និង Alexander Archipenko ។Boccioni បានសំយោគគំនិតរបស់ពួកគេចូលទៅក្នុងស្នាដៃដ៏មានថាមពលនេះ ដែលបង្ហាញពីតួលេខដ៏រឹងមាំមួយដែលបានកំណត់នៅក្នុង "ការបន្តសំយោគ" នៃចលនា ដូចដែល Boccioni បានពិពណ៌នាវា។បំណែកនេះត្រូវបានបង្កើតឡើងដំបូងនៅក្នុងម្នាងសិលា ហើយមិនត្រូវបានបោះចោលក្នុងទម្រង់សំរិទ្ធដែលធ្លាប់ស្គាល់របស់វារហូតដល់ឆ្នាំ 1931 បន្ទាប់ពីការស្លាប់របស់វិចិត្រករនៅឆ្នាំ 1916 ក្នុងនាមជាសមាជិកនៃកងវរសេនាធំកាំភ្លើងធំអ៊ីតាលីក្នុងអំឡុងសង្គ្រាមលោកលើកទី 1 ។

រូបថត៖ CC/Flickr/Steve Guttman NYC

កើតនៅប្រទេសរូម៉ានី លោក Brancusi គឺជាជាងចម្លាក់ដ៏សំខាន់បំផុតមួយរូបនៃសម័យទំនើបនៅដើមសតវត្សទី 20 ហើយជាការពិត គឺជារូបចម្លាក់ដ៏សំខាន់បំផុតមួយនៅក្នុងប្រវត្តិសាស្រ្តទាំងមូលនៃចម្លាក់។Brancusi បាន​បង្កើត​ទម្រង់​ពី​ធម្មជាតិ ហើយ​សម្រួល​វា​ទៅ​ជា​តំណាង​អរូបី។រចនាប័ទ្មរបស់គាត់ត្រូវបានជះឥទ្ធិពលដោយសិល្បៈប្រជាប្រិយនៃស្រុកកំណើតរបស់គាត់ ដែលជារឿយៗបង្ហាញពីលំនាំធរណីមាត្រដ៏រស់រវើក និងគំនូរទាន់សម័យ។គាត់ក៏មិនបានបែងចែករវាងវត្ថុ និងមូលដ្ឋាន ដោយចាត់ទុកពួកវាក្នុងករណីខ្លះជាធាតុផ្សំដែលអាចផ្លាស់ប្តូរបាន វិធីសាស្រ្តដែលតំណាងឱ្យការបំបែកដ៏សំខាន់ជាមួយនឹងប្រពៃណីចម្លាក់។រូបចម្លាក់នេះគឺជារូបគំនូររបស់តារាម៉ូដែល និងគូស្នេហ៍របស់គាត់គឺ Margit Pogány ជានិស្សិតសិល្បៈហុងគ្រីដែលគាត់បានជួបនៅទីក្រុងប៉ារីសក្នុងឆ្នាំ 1910។ ស្នាដៃដំបូងត្រូវបានឆ្លាក់នៅក្នុងថ្មម៉ាប បន្ទាប់មកដោយចំលងម្នាងសិលាដែលធ្វើពីលង្ហិននេះ។ម្នាងសិលាខ្លួនឯងត្រូវបានដាក់តាំងបង្ហាញនៅទីក្រុងញូវយ៉កនៅឯពិព័រណ៍ Armory រឿងព្រេងនិទានឆ្នាំ 1913 ដែលជាកន្លែងដែលអ្នករិះគន់ចំអកនិងមើលងាយវា។ប៉ុន្តែ​វា​ក៏​ជា​ស្នាដៃ​ដែល​ផលិត​ឡើង​វិញ​ច្រើន​បំផុត​ក្នុង​កម្មវិធី​នេះ។Brancusi បានធ្វើការលើកំណែផ្សេងៗនៃម៉ែល ប៉ូហ្គានីអស់រយៈពេល 20 ឆ្នាំ។

រូបថត៖ សារមន្ទីរសិល្បៈទំនើប

កង់កង់ត្រូវ​បាន​គេ​ចាត់​ទុក​ថា​ជា​គ្រឿង​ធ្វើ​បដិវត្តន៍​ដំបូង​របស់ Duchamp។ទោះជាយ៉ាងណាក៏ដោយ នៅពេលដែលគាត់បានបញ្ចប់ស្នាដៃនៅក្នុងស្ទូឌីយ៉ូប៉ារីសរបស់គាត់ គាត់ពិតជាមិនដឹងថាត្រូវហៅវាថាអ្វីនោះទេ។Duchamp បាននិយាយនៅពេលក្រោយថា "ខ្ញុំមានគំនិតរីករាយក្នុងការដាក់កង់កង់ទៅនឹងចង្រ្កានបាយ ហើយមើលវាវេន"។វាបានចំណាយពេលធ្វើដំណើរនៅឆ្នាំ 1915 ទៅកាន់ទីក្រុងញូវយ៉ក ហើយបានបង្ហាញពីទិន្នផលដ៏ធំរបស់ទីក្រុងនៃទំនិញដែលផលិតដោយរោងចក្រ ដើម្បីឱ្យ Duchamp ទទួលបានពាក្យដែលត្រៀមរួចជាស្រេច។សំខាន់ជាងនេះទៅទៀត គាត់បានចាប់ផ្តើមមើលឃើញថា ការបង្កើតសិល្បៈតាមបែបប្រពៃណី និងសិប្បកម្ម ហាក់ដូចជាគ្មានន័យនៅក្នុងយុគសម័យឧស្សាហកម្ម។ហេតុអ្វីបានជាមានការរំខាន គាត់បាននិយាយថា នៅពេលដែលវត្ថុដែលផលិតបានយ៉ាងទូលំទូលាយអាចធ្វើការងារបាន។សម្រាប់ Duchamp គំនិតនៅពីក្រោយការងារសិល្បៈគឺសំខាន់ជាងរបៀបដែលវាត្រូវបានបង្កើតឡើង។គំនិតនេះ—ប្រហែលជាឧទាហរណ៍ជាក់ស្តែងដំបូងបង្អស់នៃសិល្បៈទស្សនទាន—នឹងផ្លាស់ប្តូរទាំងស្រុងនូវប្រវត្តិសាស្រ្តសិល្បៈឆ្ពោះទៅមុខ។យ៉ាង​ណា​ក៏​ដោយ ដូច​ជា​វត្ថុ​ផ្ទះ​ធម្មតា​មួយ​ដែរ។កង់កង់មិនបានរស់រានមានជីវិត៖ កំណែនេះគឺពិតជាចម្លងពីឆ្នាំ 1951។

រូបថត៖ Whitney Museum of American Art, © 2019 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), ញូវយ៉ក

ការប្រកួតជាទីស្រឡាញ់នៃការប្រមូលអចិន្ត្រៃយ៍របស់សារមន្ទីរ Whitney,សៀក Calderចម្រាញ់​ខ្លឹមសារ​លេង​សើច​ដែល Alexander Calder (1898–1976) បាន​យក​មក​ធ្វើជា​វិចិត្រករ​ម្នាក់​ដែល​បាន​ជួយ​បង្កើត​រូបចម្លាក់​ទី 20 ។សៀកដែលត្រូវបានបង្កើតឡើងកំឡុងពេលដែលវិចិត្រករនៅទីក្រុងប៉ារីស មានភាពអរូបីតិចជាង "ទូរស័ព្ទ" ដែលព្យួររបស់គាត់ ប៉ុន្តែតាមវិធីផ្ទាល់ខ្លួន វាមានលក្ខណៈដូចជា kinetic៖ ផលិតចេញពីខ្សែ និងឈើជាចម្បង។សៀកបានបម្រើការជាចំណុចកណ្តាលសម្រាប់ការសម្តែង improvisational ដែលក្នុងនោះ Calder បានផ្លាស់ទីជុំវិញតួរលេខជាច្រើនដែលពណ៌នាអំពីអ្នកបង្កាច់បង្ខូច អ្នកលេបដាវ សត្វតោ សត្វតោជាដើម។

រូបថត៖ សារមន្ទីរ J. Paul Getty

ក្នុងនាមជាវិចិត្រករ និងអ្នករចនាផ្ទាំងក្រណាត់ ក៏ដូចជាជាងចម្លាក់ វិចិត្រករជនជាតិបារាំង Aristide Maillol (1861-1944) អាចត្រូវបានពិពណ៌នាយ៉ាងល្អបំផុតថាជាអ្នករចនាម៉ូដបែបសម័យថ្មី ដែលបានដាក់លំនាំដើមសតវត្សរ៍ទី 20 លើរូបចម្លាក់ក្រិក-រ៉ូម៉ាំងបុរាណ។គាត់ក៏អាចត្រូវបានគេពិពណ៌នាថាជាអ្នកអភិរក្សរ៉ាឌីកាល់ផងដែរ ទោះបីជាវាគួរចងចាំថា សូម្បីតែសហសម័យ avant-garde ដូចជា Picasso បានផលិតស្នាដៃនៅក្នុងការសម្របខ្លួនតាមរចនាប័ទ្ម Neo-Classical បន្ទាប់ពីសង្គ្រាមលោកលើកទី 1 ។ ប្រធានបទរបស់ Maillol គឺអាក្រាតកាយរបស់ស្ត្រី ហើយនៅក្នុងអ៊ែរគាត់បានបង្កើតភាពផ្ទុយគ្នារវាងម៉ាស់សម្ភារៈនៃប្រធានបទរបស់គាត់ និងរបៀបដែលនាងហាក់ដូចជាកំពុងអណ្តែតក្នុងលំហ - តុល្យភាពដូចដែលវាធ្លាប់មាន រូបរាងកាយកាន់តែអាក្រក់ជាមួយនឹងវត្តមានអណ្តែត។

រូបថត៖ ការគួរសម CC/Flickr/C-Monster

វិចិត្រករជនជាតិជប៉ុនម្នាក់ដែលធ្វើការក្នុងពហុមជ្ឈដ្ឋាន គូសាម៉ា បានមកទីក្រុងញូវយ៉កក្នុងឆ្នាំ 1957 ត្រឡប់មកប្រទេសជប៉ុនវិញនៅឆ្នាំ 1972។ ក្នុងពេលបណ្តោះអាសន្ន នាងបានតាំងខ្លួនជាតួអង្គសំខាន់នៃទីប្រជុំជន ដែលសិល្បៈបានប៉ះនឹងមូលដ្ឋានជាច្រើន រួមទាំងសិល្បៈប៉ុប សិល្បៈតូចតាច។ និងសិល្បៈសម្តែង។ក្នុង​នាម​ជា​វិចិត្រករ​ស្ត្រី​ម្នាក់​ដែល​តែង​តែ​សំដៅ​លើ​ភេទ​ស្រី នាង​ក៏​ជា​បុព្វបុរស​នៃ​សិល្បៈ Feminist ។ការងាររបស់ Kusama ជារឿយៗត្រូវបានកំណត់លក្ខណៈដោយទម្រង់ hallucinogenic និងពាក្យដដែលៗនៃទម្រង់ ដែលជាការរីកដុះដាលនៅក្នុងលក្ខខណ្ឌផ្លូវចិត្តមួយចំនួន - ភាពច្របូកច្របល់ OCD - នាងរងទុក្ខតាំងពីកុមារភាព។ទិដ្ឋភាពទាំងអស់នៃសិល្បៈ និងជីវិតរបស់ Kusuma ត្រូវបានឆ្លុះបញ្ចាំងនៅក្នុងការងារនេះ ដែលកៅអីដ៏សាមញ្ញដែលគ្របដណ្ដប់លើកៅអីធម្មតាត្រូវបានកាត់បន្ថយដោយគួរឱ្យភ័យខ្លាចដោយការផ្ទុះឡើងនៃដុំពកដែលធ្វើពីក្រណាត់ដេរប៉ាក់។

រូបថត៖ Whitney Museum of American Art, New York, © 2019 Estate of Marisol/ Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), ញូវយ៉ក

ត្រូវបានគេស្គាល់យ៉ាងសាមញ្ញដោយឈ្មោះដំបូងរបស់នាង Marisol Escobar (1930-2016) កើតនៅទីក្រុងប៉ារីសពីឪពុកម្តាយ Venezuelan ។ក្នុងនាមជាសិល្បករមួយរូប នាងបានជាប់ពាក់ព័ន្ធជាមួយ Pop Art ហើយក្រោយមក Op Art ទោះបីជាមានលក្ខណៈស្ទីលស្ទីលក៏ដោយ នាងមិនមែនជាក្រុមណាមួយឡើយ។ផ្ទុយទៅវិញ នាងបានបង្កើតជារូបតំណាង ដែលមានន័យថាជាការតិះដៀលស្ត្រីនៃតួនាទីយេនឌ័រ ភាពល្បីល្បាញ និងទ្រព្យសម្បត្តិ។ក្នុងស្ត្រីនិងឆ្កែនាងប្រកាន់យកនូវកម្មវត្ថុនៃស្ត្រី និងវិធីដែលស្តង់ដារកំណត់នៃភាពជាស្ត្រីរបស់បុរសត្រូវបានប្រើដើម្បីបង្ខំឱ្យពួកគេធ្វើតាម។

រូបថត៖ CC/Flickr/Rocor

Brillo Box ប្រហែលជាត្រូវបានគេស្គាល់ថាល្អបំផុតនៃស្នាដៃចម្លាក់ជាច្រើនដែល Warhol បានបង្កើតឡើងនៅពាក់កណ្តាលទសវត្សរ៍ឆ្នាំ 60 ដែលយកការស៊ើបអង្កេតរបស់គាត់អំពីវប្បធម៌ប៉ុបទៅជាបីវិមាត្រ។ពិតទៅនឹងឈ្មោះ Warhol បានផ្តល់ស្ទូឌីយោរបស់គាត់ - រោងចក្រ - វិចិត្រករបានជួលជាងឈើដើម្បីធ្វើការប្រភេទនៃការជួបប្រជុំគ្នាដោយភ្ជាប់ប្រអប់ឈើក្នុងទម្រង់ជាប្រអប់សម្រាប់ផលិតផលផ្សេងៗរួមទាំង Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes និង Campbell's Soup ជា ល្អ បន្ទះសាប៊ូ Brillo ។បន្ទាប់មកគាត់បានគូរប្រអប់នីមួយៗនូវពណ៌ដែលត្រូវគ្នានឹងដើម (ពណ៌សក្នុងករណី Brillo) មុនពេលបន្ថែមឈ្មោះផលិតផល និងឡូហ្គោក្នុងអេក្រង់សូត្រ។ប្រអប់ត្រូវបានបង្កើតជាពហុគុណ ជាញឹកញាប់ត្រូវបានបង្ហាញជាជង់ធំ ៗ ដោយមានប្រសិទ្ធភាពប្រែក្លាយវិចិត្រសាលណាមួយដែលពួកគេស្ថិតនៅក្នុង ទៅជាទូរសារដែលមានវប្បធម៌ខ្ពស់នៃឃ្លាំង។រូបរាង និងការផលិតសៀរៀលរបស់ពួកគេ ប្រហែលជាការងក់ក្បាលចំពោះ—ឬ ការលេងសើចនៃ—រចនាប័ទ្មតូចតាចដែលទើបនឹងចាប់ផ្តើម។ប៉ុន្តែចំណុចពិតនៃប្រអប់ Brilloគឺជារបៀបដែលការប្រហាក់ប្រហែលរបស់វាទៅនឹងវត្ថុពិត បង្ខូចអនុសញ្ញាសិល្បៈ ដោយបញ្ជាក់ថាមិនមានភាពខុសគ្នាពិតប្រាកដរវាងទំនិញផលិត និងការងារពីស្ទូឌីយ៉ូរបស់វិចិត្រករនោះទេ។

រូបថត៖ CC/Flickr/Esther Westerveld

ឈ្មោះរបស់ Donald Judd គឺមានន័យដូចនឹង Minimal Art ដែលជាចលនាពាក់កណ្តាលទសវត្សរ៍ទី 60 ដែលបានចម្រាញ់ពីភាពច្របូកច្របល់នៃសនិទាននិយមសម័យទំនើបទៅជាធាតុសំខាន់ៗ។សម្រាប់ Judd ចម្លាក់មានន័យថាបង្ហាញវត្តមានជាក់ស្តែងរបស់ការងារនៅក្នុងលំហ។គំនិតនេះត្រូវបានពិពណ៌នាដោយពាក្យថា "វត្ថុជាក់លាក់" ហើយខណៈពេលដែល Minimalists ផ្សេងទៀតបានទទួលយកវា Judd បានប្រកែកថាបានផ្តល់គំនិតនៃការបញ្ចេញមតិដ៏បរិសុទ្ធបំផុតរបស់ខ្លួនដោយការទទួលយកប្រអប់ជាទម្រង់ហត្ថលេខារបស់គាត់។ដូច Warhol គាត់បានផលិតពួកវាជាគ្រឿងដដែលៗ ដោយប្រើសម្ភារៈ និងវិធីសាស្រ្តដែលខ្ចីពីការផលិតឧស្សាហកម្ម។មិនដូចកំប៉ុងស៊ុបរបស់ Warhol និង Marilyns សិល្បៈរបស់ Judd សំដៅលើអ្វីក្រៅពីខ្លួនវាទេ។"ជង់" របស់គាត់គឺស្ថិតក្នុងចំណោមបំណែកដែលល្បីបំផុតរបស់គាត់។ប្រអប់នីមួយៗមានក្រុមនៃប្រអប់រាក់ដែលដូចគ្នាបេះបិទធ្វើពីដែកសន្លឹកស័ង្កសី លោតចេញពីជញ្ជាំងដើម្បីបង្កើតជួរឈរនៃធាតុដែលមានគម្លាតស្មើគ្នា។ប៉ុន្តែ Judd ដែលចាប់ផ្តើមជាវិចិត្រករ គឺគ្រាន់តែចាប់អារម្មណ៍លើពណ៌ និងវាយនភាពដូចដែលគាត់មាននៅក្នុងទម្រង់ដូចដែលបានឃើញនៅទីនេះដោយម្រ័ក្សណ៍ខ្លួនពណ៌ពណ៌បៃតងលាបលើផ្ទៃមុខនៃប្រអប់នីមួយៗ។Judd អន្តរកម្មនៃពណ៌និងសម្ភារៈផ្តល់ឱ្យគ្មានចំណងជើង (ជង់)ភាពឆើតឆាយដ៏តក់ក្រហល់ ដែលបន្ទន់ភាពអរូបីរបស់វា។

រូបថត៖ CC/Flickr/Rocor

ដូច Benglis ដែរ Hesse គឺជាវិចិត្រករស្ត្រីដែលបានត្រង Postminimalism តាមរយៈ prism ស្ត្រីនិយម។ជនជាតិជ្វីហ្វម្នាក់ដែលបានភៀសខ្លួនចេញពីណាស៊ីអាល្លឺម៉ង់កាលពីកុមារភាព នាងបានស្វែងរកទម្រង់សរីរាង្គ ដោយបង្កើតជាបំណែកនៅក្នុងឧស្សាហកម្ម fiberglass ជ័រ និងខ្សែពួរដែលធ្វើឲ្យស្បែក ឬសាច់ ប្រដាប់ភេទ និងផ្នែកផ្សេងទៀតនៃរាងកាយ។ដោយមើលឃើញពីប្រវត្តិរបស់នាង វាជាការទាក់ទាញក្នុងការស្វែងរកការប៉ះទង្គិចផ្លូវចិត្ត ឬភាពថប់បារម្ភនៅក្នុងការងារដូចជាការងារនេះ។

រូបថត៖ សារមន្ទីរសិល្បៈទំនើប

បន្ទាប់ពី Judd និង Flavin សិល្បករមួយក្រុមបានចាកចេញពីភាពស្អាតស្អំរបស់ Minimalism ។ជាផ្នែកមួយនៃជំនាន់ Postminimalist នេះ លោក Richard Serra បានដាក់គោលគំនិតនៃវត្ថុជាក់លាក់លើសារធាតុ steroids ពង្រីកទំហំ និងទម្ងន់របស់វាយ៉ាងច្រើន ហើយធ្វើឱ្យច្បាប់ទំនាញផែនដីរួមបញ្ចូលគំនិតនេះ។គាត់បានបង្កើតសមតុល្យភាពមិនច្បាស់លាស់នៃដែកថែប ឬបន្ទះដែក និងបំពង់ដែលមានទម្ងន់រាប់តោន ដែលមានឥទ្ធិពលក្នុងការបង្ហាញពីការគំរាមកំហែងដល់ការងារ។(មានពីរលើក ដែលឧបករណ៍ដំឡើងបំណែក Serra ត្រូវបានសម្លាប់ ឬខូចនៅពេលដែលការងារបានដួលរលំដោយចៃដន្យ។) ក្នុងប៉ុន្មានទសវត្សរ៍ថ្មីៗនេះ ការងាររបស់ Serra បានទទួលយកការកែលម្អ curvilinear ដែលធ្វើឱ្យវាមានប្រជាប្រិយភាពយ៉ាងខ្លាំង ប៉ុន្តែនៅដើមដំបូង ធ្វើការដូចជា One Ton Prop (House នៃកាត) ដែលមានបន្ទះនាំមុខចំនួនបួនដែលផ្អៀងគ្នាបានទាក់ទងកង្វល់របស់គាត់ជាមួយនឹងភាពឃោរឃៅដោយផ្ទាល់។

រូបថត៖ ផ្តល់សិទ្ធិដោយ CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

បន្ទាប់ពីនិន្នាការប្រឆាំងវប្បធម៌ទូទៅក្នុងកំឡុងទសវត្សរ៍ឆ្នាំ 1960 និងឆ្នាំ 1970 សិល្បករបានចាប់ផ្តើមបះបោរប្រឆាំងនឹងពាណិជ្ជកម្មនិយមនៃពិភពវិចិត្រសាល ដោយបង្កើតទម្រង់សិល្បៈថ្មីខ្លាំងដូចជាការងារផែនដី។ត្រូវបានគេស្គាល់ផងដែរថាជាសិល្បៈដី តួអង្គឈានមុខគេនៃប្រភេទនេះគឺ Robert Smithson (1938-1973) ដែលរួមជាមួយសិល្បករដូចជា Michael Heizer, Walter De Maria និង James Turrel បានផ្សងព្រេងទៅកាន់វាលខ្សាច់នៃភាគខាងលិចសហរដ្ឋអាមេរិកដើម្បីបង្កើតស្នាដៃដ៏អស្ចារ្យដែល សម្តែងនៅក្នុងការប្រគុំតន្ត្រីជាមួយមនុស្សជុំវិញខ្លួន។វិធីសាស្រ្តជាក់លាក់នៃគេហទំព័រនេះ ដូចដែលវាត្រូវបានគេហៅ ជាញឹកញាប់ប្រើសម្ភារៈដែលយកដោយផ្ទាល់ពីទេសភាព។នេះជាករណីរបស់ Smithsonចេតិយស្ពែរដែលលោតចូលទៅក្នុង Great Salt Lake របស់រដ្ឋ Utah ពី Rozel Point នៅលើច្រាំងភាគឦសាននៃបឹង។ធ្វើពីភក់ គ្រីស្តាល់អំបិល និង បាសាល់ ចំរាញ់ចេញពីកន្លែងវិធានការ Spiral Jetty1,500 គុណ 15 ហ្វីត។វាត្រូវបានលិចនៅក្រោមបឹងអស់ជាច្រើនទសវត្សរ៍ រហូតដល់គ្រោះរាំងស្ងួតនៅដើមទសវត្សរ៍ឆ្នាំ 2000 បាននាំវាមកលើផ្ទៃទឹកម្តងទៀត។ក្នុងឆ្នាំ 2017ចេតិយស្ពែរត្រូវបានគេដាក់ឈ្មោះថាជាស្នាដៃសិល្បៈផ្លូវការរបស់រដ្ឋយូថាហ៍។

រូបថត៖ ការគួរសម CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

ស្នាដៃហត្ថលេខារបស់វិចិត្រករជនជាតិបារាំង,សត្វពីងពាងត្រូវបានបង្កើតឡើងនៅពាក់កណ្តាលទសវត្សរ៍ឆ្នាំ 1990 នៅពេលដែល Bourgeois (1911-2010) មានអាយុ 80 ឆ្នាំរួចទៅហើយ។វា​មាន​នៅ​ក្នុង​កំណែ​ជា​ច្រើន​នៃ​មាត្រដ្ឋាន​ខុសៗ​គ្នា រួម​មាន​ខ្លះ​ទៀត​ដែល​មាន​ទំហំ​ធំ។សត្វពីងពាងមានន័យ​ថា​ជា​ការ​គោរព​ដល់​ម្ដាយ​របស់​វិចិត្រករ ដែល​ជា​អ្នក​ជួសជុល​កាសែត (ហេតុ​ដូច្នេះ​ហើយ​បាន​ជា​ការ​សំដៅ​ទៅ​លើ​ទំនោរ​របស់ arachnid សម្រាប់​ការ​បង្វិល​បណ្ដាញ)។

Shutterstock

អ្នកឈ្នះរង្វាន់ Turner ដ៏មានកិត្យានុភាពក្នុងឆ្នាំ 1994 លោក Antony Gormley គឺជាជាងចម្លាក់សហសម័យដ៏ល្បីល្បាញបំផុតមួយរូបនៅក្នុងចក្រភពអង់គ្លេស ប៉ុន្តែគាត់ក៏ត្រូវបានគេស្គាល់ទូទាំងពិភពលោកផងដែរសម្រាប់ការចាប់យកសិល្បៈគំនូរតែមួយគត់របស់គាត់ ដែលមួយនៅក្នុងនោះមានការប្រែប្រួលយ៉ាងទូលំទូលាយនៅក្នុងទំហំ និងរចនាប័ទ្មផ្អែកលើ។ សម្រាប់ផ្នែកភាគច្រើននៅលើគំរូដូចគ្នា: តួនៃតួរបស់វិចិត្រករ។នោះជាការពិតនៃវិមានស្លាបដ៏ធំសម្បើមនេះ ដែលមានទីតាំងនៅជិតទីក្រុង Gateshead នៅភាគឦសាននៃប្រទេសអង់គ្លេស។មានទីតាំងនៅតាមបណ្តោយផ្លូវធំមួយ,ទេវតាឡើងដល់កម្ពស់ 66 ហ្វីត និងលាតសន្ធឹង 177 ហ្វីតក្នុងទទឹងពីចុងស្លាបទៅចុងស្លាប។យោងទៅតាម Gormley ការងារនេះមានន័យថាជាប្រភេទនៃសញ្ញាសម្គាល់រវាងអតីតកាលឧស្សាហកម្មរបស់ចក្រភពអង់គ្លេស (រូបចម្លាក់មានទីតាំងនៅប្រទេសធ្យូងថ្មរបស់ប្រទេសអង់គ្លេសដែលជាបេះដូងនៃបដិវត្តឧស្សាហកម្ម) និងអនាគតក្រោយឧស្សាហកម្មរបស់វា។

មានការអនុញ្ញាតពី CC/Flickr/Richard Howe

ត្រូវបានគេហៅថា "The Bean" ដោយក្តីស្រឡាញ់ដោយ Chicagoans សម្រាប់ទម្រង់រាងពងក្រពើកោងរបស់វាច្រកទ្វារពពកដែលជាមជ្ឈមណ្ឌលសិល្បៈសាធារណៈរបស់ Anish Kapoor សម្រាប់ឧទ្យានសហស្សវត្សរ៍ទី 2 នៃទីក្រុង គឺជាស្នាដៃសិល្បៈ និងស្ថាបត្យកម្ម ដោយផ្តល់នូវផ្លូវដើរដែលត្រៀមរួចជាស្រេច Instagram សម្រាប់អ្នកដើរលេងថ្ងៃអាទិត្យ និងអ្នកទស្សនាផ្សេងទៀតទៅកាន់ឧទ្យាន។ផលិតពីដែកកញ្ចក់,ច្រកទ្វារពពកការឆ្លុះបញ្ចាំងពីផ្ទះសប្បាយ និងទ្រង់ទ្រាយធំរបស់ Kapoor ធ្វើឱ្យវាក្លាយជាស្នាដៃដ៏ល្បីល្បាញបំផុតរបស់ Kapoor ។

មានការអនុញ្ញាតពីសិល្បករ និង Greene Naftali ទីក្រុងញូវយ៉ក

ការងាររបស់ Rachel Harrison រួមបញ្ចូលគ្នានូវទម្រង់បែបបទពេញលេញជាមួយនឹងជំនាញមួយសម្រាប់ការបញ្ចូលធាតុដែលហាក់ដូចជាអរូបីជាមួយនឹងអត្ថន័យជាច្រើន រួមទាំងផ្នែកនយោបាយផងដែរ។នាង​សួរ​យ៉ាង​ខ្លាំង​អំពី​ភាព​មាន​សក្ដានុពល និង​បុព្វសិទ្ធិ​របស់​បុរស​ដែល​ទៅ​ជាមួយ។Harrison បង្កើតរូបចម្លាក់ភាគច្រើនរបស់នាងដោយការជង់ និងរៀបចំប្លុក ឬបន្ទះ Styrofoam មុនពេលគ្របវាដោយការរួមបញ្ចូលគ្នានៃស៊ីម៉ងត៍ និងវិចិត្រករ។ផ្លែស្ត្របឺរីនៅលើកំពូលគឺជាប្រភេទវត្ថុដែលបានរកឃើញ ទាំងតែម្នាក់ឯង ឬរួមបញ្ចូលគ្នាជាមួយអ្នកដទៃ។ឧទាហរណ៏សំខាន់មួយគឺ mannequin នេះនៅលើទម្រង់លាបពណ៌ពន្លូត។ដោយពាក់មួក និងរបាំងមុខ Abraham Lincoln បែរមុខទៅក្រោយ ការងារនេះបញ្ជូនទ្រឹស្តីបុរសដ៏អស្ចារ្យនៃប្រវត្តិសាស្ត្រ ជាមួយនឹងការជម្លៀសអ្នកឈ្នះរបស់ពិភពលោកបុរាណឈរខ្ពស់នៅលើថ្មពណ៌ត្លុក។